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La ilustración gráfica en Peurs du noir y la paleta de colores: la importancia del blanco y el negro.
Las figuras visuales en la ilustración gráfica que comienza en el siglo XX muestra influencias de vanguardias y tendencias creativas que proponen un nuevo lenguaje en transición. En el caso de los seis cortometrajes franceses reunidos en la obra audiovisual Peurs du noir (2007) encontramos una riqueza estética en la que el blanco y el negro juegan un papel significativo como temática visual en algunas de las historias, así como la ausencia de color y, la exaltación uniforme de un tono verde que encontramos en otras. Antes de enfocarnos en una valoración crítica específicamente de la presencia del blanco y el negro, hablemos de la narrativa y los ilustradores que participaron en cada una de las historias animadas que llevan el mismo hilo conductor: el miedo a la oscuridad.
Peurs du noir es un compendio de historias sobre el miedo, entendiendo este, como una de las emociones más poderosas de la humanidad; los temores usualmente presentes son a lo desconocido y a lo impredecible. La característica principal de este filme son las narraciones macabras, exaltando el horror sobrenatural. La estructura inter-cut es peculiar, ya que como base tiene dos narraciones intercaladas con las otras cuatro que la componen.
En primer momento se nos presenta la historia sobre un aristó- crata francés del 1800 que vaga con perros salvajes de caza y los lanza a diversas víctimas que son devoradas violentamente por estos. Su estructura se fragmenta en cuatro partes siguiendo una técnica de trazo en grafito, en la que la ausencia de color le brinda un toque crudo, sucio y oscuro a la narrativa. El autor de cómic Francés Christian Hincker, mejor conocido como “Blutch” (1967), recurre a su huella característica en el dibujo: el carboncillo, pero sobre todo, utiliza la recurrencia de representar de forma borrosa el rostro del personaje principal, mientras los otros personajes y escenarios son trazados de forma agresiva y caótica; él mismo menciona: “me encantan las cosas borrosas, con los contornos mal definidos”.
El turno del francés Pierre di Sciullo (1961), quien se ha consagrado como artista gráfico, tipógrafo y diseñador de 3D, hace uso de las formas geométricas a blanco y negro, como si fuese un test psicológico, la protagonista lleva a cabo un monólogo en seis partes, su voz en off y la muestra directa de las figuras, logran una conexión directa con el espectador. Sin embargo, también puede interpretarse como la representación del fluir de conciencia con alta carga política e ideológica, a partir del uso gráfico de figuras geométricas que responden a el constructivismo ruso y a la escuela Bauhaus. Vemos que es más importante el significado de un círculo en un contexto determinado, que la figura humana (por eso la ausencia del personaje y la presencia de su voz). Entonces, ¿en donde reside lo aterrador? en el discurso sobre los miedos personales que responden a un imaginario colectivo. El espectador en cada fragmento está recibiendo el impacto del cerebro de la protagonista en relación a sus palabras.
En la tercera narración, un joven encuentra un insecto antropomórfico que decide guardar en su habitación sin percatarse que este al escapar provocará una pesadilla que le genera zoofobia y posteriormente, una hibridación a partir de desviaciones zooantropológicas, es decir, deseo de sumisión animal y dominio hasta de orden sexual. Charles Burns (1965), autor gráfico de Black Hole y quien fue parte del grupo “Valvoline” junto con otro artista que participa en este excelente trabajo, Lorenzo Mattotti, responde a su recurrencia onírica y en este caso kafkiana, con trazos simples a blanco y negro que refuerzan el discurso del horror moderno.
Siguiendo con las pesadillas, Marie Caillou (1971), a través de un homenaje al cine de terror oriental, ilustra la historia de una niña japonesa que internada en un hospital aparentemente psiquiátrico, tiene que terminar un sueño constante que la ha traumatizado, para obtener la cura. Su técnica a diferencia del resto de autores, recurre al tono verde para reforzar la atmósfera enfermiza.
Ingresamos a un mundo un tanto gótico con el trazo artesanal en grafito de Lorenzo Mattotti (1954), quien juega con la sombra para acercarnos a un mundo rural en el que comienzan a surgir crímenes sin razón alguna, recordando un poco a la novela de tinte policiaco y de horror como Los crímenes de la calle Morgue de Edgar Allan Poe. Y por otro, en el dibujo, a Henri Matisse en el diseño de sus personajes y los escenarios fauvistas.
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Finalmente, Richard McGuire (1954), aplicando el blanco y el negro, introduce al personaje principal en escenarios negros completamente, que nos remite al cuadrado negro de (1915) de Malévich, para contarnos la erupción de la locura de un hombre frente a la violencia y la claustrofobia, que según el mismo autor es una cita directa de algunas de sus pesadillas. Además para el desarrollo estilístico, recurrió a la obra gráfica de Félix Vallotton, que “(…) a menudo hacía un truco de negro sobre negro, una persona vestida de negro sobre un fondo negro. Me gustó la forma en que su mente se completa la imagen. Sabía que era una clave para la forma de abordar la película” menciona McGuire.
Así que siendo “la vanguardia” una postura y más que desarrollar una estética, construye una actitud que influye al resto de los movimientos artísticos, es decir, se vuelven referenciales. Lo que llama la atención es que el manejo de colores se llevan a su máxima expresión mientras en Peurs du noir podemos observar la riqueza de posturas vanguardistas pero experimentando el uso del blanco y el negro (con acentos rojos en algunas ocasiones).
Cabe mencionar que el concepto proviene de Prima Linea productions y uno de los requisitos fue que las historias se ilustraran en blanco y negro.
Este dúo de contrarios, en la época de la fotografía era el poder de la evocación, mientras en el elemento gráfico como ausencia del color tienen un valor neutro, en el que el negro sería un color sin resonancias. En las animaciones que presentan el manejo de estos, se puede identificar que además de reforzar la temática del miedo a través del genero del
horror, el negro es el predominante en fondos, mientras en otras, aplicando el grafito, se hace uso de recursos sencillos como las rayas y las líneas para crear el efecto de las luces y las sombras. En este sentido, resaltemos dos cosas:
El fondo negro, sobretodo en la última historia de McGuire, pareciera funcionar como un telón que oculta un “embrión de infinitas posibilidades” diría Ana María Coderch. Es la imagen indeterminada, del silencio, de un misterio, es la nada de la imagen.
Las sombras, son reflejos especulares que nos recuerdan a la figura del “doble” que curiosamente nos remite al cuestionamiento de la realidad platónica en los reflejos de los objetos a partir de la luz, y por otro lado, al desdoblamiento fantástico que se desarrolla en cada historia: el aristócrata y el perro; el joven y el insecto; el amigo (que se convierte en una sombra al desaparecer) y el monstruo; el mismo miedo y el ser, por mencionar algunos.
¿Y el blanco? es el que delimita los objetos y los personajes, sin embargo las sombras proyectadas evocan a los fantasmas de sí mismos.
Definitivamente, Peurs du noir es un interesante trabajo de artistas gráficos, ilustradores y artistas del cómic que logran explotar el blanco y el negro otorgando un sentido macabro a cada narración.
