Here Comes the Sun

Pía Camil en Guggenheim

 

Robin Cembalest, Guggenheim Apócrifa Art Magazine
“Here Comes the Sun”, Guggenheim, NY, 2019. Foto: Robin Cembalest

Es una tarde de noviembre muy fría y ya es de noche, pero el Guggenheim de Nueva York presenta “Here Comes The Sun”, una pieza de Pía Camil, armada de manera colectiva y cercada por el canto de un coro infantil dispuesto en el segundo piso y rodeando el despliegue de la escultura textil interactiva al son de la famosa canción de los Beatles. La tela es extendida horizontalmente de mano en mano por la audiencia que se ubica de pie en la rotonda del museo, en donde algunos pueden colocar su cabeza en los orificios del lienzo para ver por encima de éste.

Es una pieza hecha por camisetas de segundo uso donadas e intervenidas mayormente por inmigrantes del East Harlem y de Corona. Son descosidas y unidas unas a otras dejando el orificio del cuello abierto, pintadas y extendidas en un lienzo redondo con un degradado rojo-amarillo que desde lo alto del Guggenheim parece un sol confeccionado por historias distintas.

El canto de los niños del coro de la escuela primaria Central Park East cobija la pieza en una suerte de aura sonora; el entusiasmo se desencadena de manera apabullante y rompe la escena en aplausos y alegría. La artista mexicana es el combustible de una máquina que dio calor simbólico al Guggenheim en una noche helada, pero una máquina cuyos engranes son la gente con sus colores, su orígenes y sus historias.

Pía Camil, Guggenheim - Apócrifa Art Magazine-04
“Here Comes the Sun”, Guggenheim, NY, 2019

El trabajo de Pía Camil ha pasado por la colección de imágenes urbanas (como espectaculares abandonados, fotografiados e impresos en telas a manera de cortinas), y la recopilación de ropa de doble uso en tianguis suburbanos de la Ciudad de México y reconstruidos en esculturas textiles. Algunas piezas son hechas con camisetas que fueron manufacturadas en Latinoamérica y enviadas a Estados Unidos para su comercio, usadas, desechadas y enviadas de regreso a mercados de pulgas en barrios suburbanos o semi marginados en Latinoamérica, como el de Iztapalapa, de donde Pía las rescata para descoserlas, unirlas unas a otras y convertirlas en piezas que recogen historias que se tocan en las rutas que recorrieron desde la manufactura hasta su regreso a los barrios bajos, impidiendo su segundo uso y cerrando su ciclo en una pieza de arte (y de vuelta al primer mundo).

Pía Camil Guggenheim - Apócrifa Art Magazine-02
Vista de la instalación de “Bara Bara Bara”, Dallas Contemporary, 2017

Un trabajo que plantea algunas dudas sobre su construcción y sus dicotomías. Así que nos dimos la tarea de preguntar directamente a Pía sobre ellas:

S: Pía, tú has llevado lo espectacular (en condiciones de abandono) al espacio íntimo (como son las cortinas de una casa). Y también has convertido lo íntimo, como es una camiseta usada, en  un lienzo colosal. ¿Qué hay detrás de la re-contextualización de dichos contrastes?

P: “No es que yo haga un planteamiento de re-contextualización al crear mis piezas, pero muchas de ellas efectivamente terminan siendo una subversión de órdenes, porque yo no creo que deba haber una trayectoria lógica o lineal en las cosas, como tampoco creo en el discurso patriarcal.”

Espectacular telón - Apócrifa Art Magazine
Vista de la instalación de Espectacular Telón I-VI, en Sultana Gallery, París, Francia, 2013

S; ¿Qué hay para ti entre lo espectacular y lo íntimo?

P:”Hay un juego donde pueden tocarse ambos extremos: lo público puede transformarse a algo íntimo y viceversa. Una dinámica no necesariamente consciente pero de pronto la subversión, el palimpsesto o el cambio de orden adquieren un sentido.”

S: ¿Hay algún juego infantil en tu obra, desde el hecho de de voltear a ver  espectaculares abandonados (o sin anuncios) hasta la colaboración lúdica en tus piezas? Y si es así, cómo es que detrás de un instinto primario terminan muchas de tus piezas en un serio trabajo de comunidad?

P: “Creo que hay dos elementos esenciales al crear una obra, uno es la metodología desprendida de un acto intuitivo, quizá primario, la manera de ver al mundo y de relacionarte, como punto de arranque. Y por otra parte, el acto de hacer traslados de diferentes órdenes, de tal manera que el trabajo resulta un ente complejo, que puede comprender una interacción, un encuentro lúdico, pero también elementos que llaman al ojo crítico. Una pieza que genera conexión en diferentes niveles y que puede desestabilizar su propio origen: su traslado de lo urbano a lo íntimo y de lo íntimo a lo público, del low-culture al high-culture, de lo impersonal a lo emocional. Y en esa inversión de sentido, se puede igual jugar con una pieza y también explorar su referentes sociales de manera muy seria.”

Fade into black - Apócrifa Art Magazine
“Fade into Black”, SCAD Museum of Art, Savannah, US 2018. Fotos de Savannah College of Art and Design

En el trabajo de Pía Camil el desperdicio humano y el desecho urbano tienen la oportunidad de ser re-confeccionados y re-definidos en un ejercicio disruptor, pero lúdico y comunal. Sin duda un trabajo que, como la pieza que presenciamos en el Guggenheim, aunque procede de formas industriales, tiene un fin íntimo. Las telas que yerguen en escultura cubrieron en algún momento la piel de muchas personas con historias que desconocemos pero que ahora se encuentran unidas con todo y su recorrido de la urbe a la gente, de lo desechado a lo colaborativo, de lo colaborativo a lo doméstico, a la intimidad, a las emociones. Una pieza que ahora forma parte de la colección del Guggenheim.

Pía Camil Guggenheim - Apócrifa Art Magazine-03
“Here Comes the Sun”, Guggenheim, NY, 2019

Actualmente Pía Camil presenta una exposición individual en el Queens Museum of Art con la pieza “Fade into black: sit, chill, look, talk, roll, play, listen, give, take, dance, share”, la cual estará abierta hasta el 20 de febrero de 2020.

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