Lo desconcertante de la semana del arte en Nueva York

Hay quienes dicen que Nueva York es una feria de arte todo el año, pero además tiene una semana inagotable con casi 10 ferias de arte. Nosotros fuimos a las tres más representativas en el mercado del arte moderno y actual: Armory Show, Volta e Independent Art Fair. Cada una tiene sus particularidades y sus públicos de intereses diversos. Aquí nuestra entrega de lo más sorpresivo:

Armory es la feria neoyorquina esencial del arte (como ellos mismos se auto denominan), con cerca de 200 galerías y varios trabajos curatoriales y piezas encomendadas. Y es una feria que supone tener el arte más importante del mundo, pero además con comisiones innovadoras y programas públicos. En este año, como en otros, vimos a grandes exponentes, pero la sorpresa brotó sobre la inminente participación de mujeres en la dirección, curaduría y trabajos, como también en los artistas recién agregados a la feria, de los cuales nos quedamos atrapados con dos muy buenos proyectos:
Alejandro Almanza Pereda (México, 1977), de la galería Curro, presentó un solo con su serie Horror vacui (antigua tendencia estilística de llenar cada espacio en blanco de una obra de arte), con cuadros viejos de paisajes o naturaleza muerta intervenidos con plastas o bloques de concreto e instalados con cemento arrojado sobre la pared roja donde se postran, logrando un diálogo entre el arte de relleno y la arquitectura; el arte decorativo sin espacios en blanco, pero vacío e inhóspito a pesar de todo. Y aunque el cemento es un elemento arquitectónico para cargar, equilibrar, reforzar, es sostenido aquí por el arte vacuo, edificando una relación transgresora pero simbiótica.

Alejandro Almanza - Apócrifa Art Magazine
Alejandro Almanza, Horror Vacui (Tropical Scene #1) 2020
Alejandro Almanza - Apócrifa Art Magazine
Alejandro Almanza, proyecto individual curado por Jamillah James, Galería Curro, Armory Show 2020. Foto: cortesía de Curro.

Nuestra segunda elección es Tezi Gabunia traído por la Galería Kornfeld, con un video escalofriante: “Breaking News: The Flooding of the Louvre”. La pieza está conformada por dos elementos: un video que muestra la inundación de la galería Richelieu en el Louvre, y además el modelo a pequeña escala que Gabunia usó para filmarlo, en un juego que involucra el fenómeno mediático de la posverdad o del “fake news”, pero también la sensibilización y la alarmante advertencia del cambio climático. Esta pieza fue tan estremecedora como seductora, y anduvo en boca de todos.

Tezi Gabunia - Apócrifa Art Magazine
Tezi Gabunia. Breaking News: The Flooding of the Louvre (2018–20). Video. Cortesía de Galerie Kornfeld, Berlín.
Tezi Gabunia - Apócrifa Art Magazine
Tezi Gabunia. Breaking News: The Flooding of the Louvre (2018–20). Video. Cortesía de Galerie Kornfeld, Berlín.

Volta Art Fair regresó después de la traumática cancelación y rescate (de unas cuantas galerías) por David Zwirner (en el llamado Plan B) en 2019, pero ahora deja de ser parte de Armory y es dirigida por Kamiar Maleki. Es una feria de artistas emergentes y de mediana carrera, con una sorpresa: presencia del medio oriente femenino. Recogimos algo que no esperábamos: Roya Khadjavi, una conocida promotora del arte emergente iraní, nos trajo a Shirin Hosseinvand, una joven iraní-americana, quien se apropia de técnicas artesanales milenarias de origen persa (como el corte de espejos en pequeñitas piezas geométricas y pegadas en yeso, usadas desde la antigüedad para decorar techos, cúpulas y paredes), y las aplica en objetos en forma de lata de Coca-Cola, un producto americano que se produce en todo el mundo y ha marginado los productos y bebidas originales, pero que al decorarlos con la técnica persa, lo reconquista imponiendo su historia estética, su legado cultural.

Shirin Hosseinvand - Apócrifa Art Magazine
Shirin Hosseinvand, Untitled. Fotos cortesía de Roya Khadjavi.

Independent Art Fair es una feria que carece de órganos curatoriales, pero ofrece lo más exquisito en arte autodidacta, marginal, arte rescatado, pero también un arte que ya rebasa lo contemporáneo. Es difícil destacar algunos ejemplos, pero discriminando injustamente a otras grandes apariciones, elegimos tres ejemplos fascinantes (y quizá desconcertantes):
Andrew Edlin Gallery trajo a Paulina Peavy (1901-1999), una mujer que pintaba bajo la dirección de Lacayo, una musa espiritual cuyo contacto lograba al colocarse unas máscaras que la misma Peavy confeccionó para entrar en transición con la diosa. El trabajo de Paulina explora el futuro del sexo, el papel del género post masculino, el lugar de la humanidad en el universo. Y Andrew Edlin nos trajo sus máscaras y sus pinturas. Bellísimo y escalofriante.

Paulina Peavy - Apócrifa Art Magazine
Paulina Peavy (1901-1999). Untitled.

La galería Ricco/Maresca presentó el trabajo de Domingo Guccione (1898-1966), quien era músico y místico, y cuyos ratos privados los dedicaba a hacer dibujos geométricos (entre 1930 y 1955). Él aseguraba estar canalizado con una fuerza misteriosa que lo atrapaba en episodios de energía creativa, donde su cuerpo y la mente no eran suyos. En consecuencia, no pudo (o no quiso) explicar sus obras terminadas o preguntar a los espectadores qué vieron en ellas. Guccione tampoco hizo bocetos de sus dibujos, simplemente dibujó con una gama mínima de materiales y sin marcas de medición. Sus obras son profundamente abstractas y recuerdan paisajes arquitectónicos futuristas. Guccione fue un muy buen debut en esta feria. Definitivamente una gran entrega de Ricco/Maresca.

Domingo Succione - Apócrifa Art Magazine
Domingo Succione. Fotos cortesía de Ricco/Maresca.
Domingo Succione - Apócrifa Art Magazine
Domingo Succione. Fotos cortesía de Ricco/Maresca.

Nuestra última selección es para la galería Semiose, quien nos trajo a Amélie Bertrand, una joven nacida en 1985, quien fue aclamada desde su graduación en la escuela de Bellas Artes de Marsella, cuando demostró, mediante su impecable y detallada técnica, una distinción entre ella, los paisajes y sus formas decorativas que aterrizan entre los sueños y los delirios. Estos paisajes están diseñados electrónicamente para reflejar un ambiente, un extraño sabor a déjà vu, un clima contemporáneo que es a la vez psicológico y físico. Los bocetos son ensamblados en Photoshop, retrazados en Illustrator y superpuestos en una retícula creada en InDesign, para después copiarlos idénticamente con óleo en un lienzo, y cuyos perfectos degradados requieren de por lo menos 20 distintos tubos de pintura.

La indiscutible sorpresa fue la imagen de origen electrónico que no fue impresa en gran formato, sino representada magistralmente en óleo, un profundo proceso de concepción y ejecución. Una dinámica que para Bertrand es un tema crucial que desafía al sujeto principal representado. “La pintura no es simplemente una herramienta utilizada para retratar un tema; es en sí mismo una representación que confronta al sujeto y agrega tensión a su representación.” Estos recursos formales e iconográficos le permiten de vez en cuando suspender la ilusión de la narración, frustrando nuestro deseo de profundidad de imagen y significado. Al final, como ella misma lo dice “el espectador permanece en la superficie de la pintura. La narrativa nunca debe ser lo suficientemente fuerte como para hacer que olvidemos que estamos mirando una pintura.”

Así, las pinturas de Amélie Bertrand son como volver al pasado del arte con soportes tradicionales, pero sin soltar el futuro, pues la concepción de la obra y su plano visual representan un presente tecnológico inminente; su trabajo es una utopía no futurista (como suelen ser), sino que se postra en la técnica del pasado, pero con el futuro bien apretado en las manos.

Amélie Bertrand - Apócrifa Art Magazine
Amélie Bertrand. Fotos cortesía de Semiose.
Amélie Bertrand - Apócrifa Art Magazine
Amélie Bertrand. Fotos cortesía de Semiose.
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